Levis x Damien Hirst

Se presentó una colección inspirada en el célebre artista
Es una edicion limitada de prendas exclusivas: un dialogo entre el treabjo de Warhol y Hirst sobre la muerte como vehiculo para explicar las dudas existenciales.

"I love the idea of art you can wear", Damien Hirst

¿Quien es Damien Hirst?

Es un artista británico, el más prominente del grupo llamado Young British Artists, ha dominado la escena del arte en Inglaterra desde principios de los 90 y es internacionalmente conocido como el artista vivo con la obra mejor pagada.

La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol.

Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living). Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006.

Su venta por 10 millones de dólares, en 2004, hizo de él el segundo artista vivo más caro, después de Jasper Johns. En junio de 2007, Hirst logró superar a Jaspers en este apartado con la venta de su Medicine Chest, en la exposición Lullaby Spring, por nueve millones seiscientas cincuenta mil libras esterlinas, en la casa de subastas Sotheby's en Londres.

El 30 de agosto de 2007, Hirst superó su anterior venta de Lullaby Spring con su trabajo For the Love of God, una calavera humana auténtica, toda ella incrustada de diamantes, 8.601 en total, que alcanzó los cincuenta millones de libras esterlinas (74 millones de euros), pagados por un grupo inversionista desconocido (posteriormente, se supo que el propio Hirst, su manager y uno de sus galeristas pertenecían al consorcio)

También es conocido por sus pinturas girantes, spin paintings, hechas en una superficie circular girante, y pintura de puntos, spot painting, los cuales consisten en filas de círculos coloreados al azar; estas obras han sido muy imitadas en gráficos comerciales.

Y son precisamente de esta calavera, los grafismos multicolores y los circulos de los cuales se sirve la coleccion.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Damien_Hirst

http://www.levi.com.ar/

http://frombuenosaires.blogspot.com/2009/06/presentacion-levisr-x-damien-hirst.html

El mural que vuelve a vivir

La historia, el rescate y una reconstrucción interactiva inedita de la monumental obra de David Alfaro Siqueiros.

Más que mural, una leyenda. Más que mural, una obsesión que durante siete décadas desveló a coleccionistas, artistas, funcionarios, allegados o ajenos a las intensas pasiones ligadas a su realización. Porque Ejercicio plástico , obra realizada en 1933 por David Alfaro Siqueiros en la quinta Los Granados, de Natalio Botana, no es sólo uno de los trabajos más representativos del arte latinoamericano, una pieza extraña en la producción artística del mexicano, una joya que estuvo demasiadas veces al borde de la desaparición. Es, también, el testimonio de una época -la de entreguerras- poco afecta a las medias tintas, y el último gesto, luminoso y elegíaco a la vez, con el que un hombre saludó el fin de una historia de amor.

El artista, el empresario y la dama

¿Qué impulsó a Siqueiros, artista de decidida militancia comunista, exponente del muralismo mexicano, y por ende, devoto de los espacios amplios, los muros exteriores y los motivos claramente ideológicos, a realizar un mural íntimo, casi secreto, de tono más bien erótico y ubicado en un sótano perteneciente a un hombre rico como Botana?

Enfrentado con el gobierno mexicano, a principios de los años 30, Siqueiros fue expulsado de su país. Así comenzó un periplo internacional que alrededor de 1932 lo traería al Río de la Plata. Pero la situación local en plena "década infame", con una sociedad en la que los circuitos de vanguardia convivían con un clima extremadamente conservador, no era la más propicia para el artista exiliado. No pudo concretar ninguna de las obras que realmente quería hacer (pintar un silo del puerto, por ejemplo); su presentación en Los Amigos del Arte culminó en escándalo; la necesidad económica apremiaba. Apareció, entonces, Botana, que primero le ofreció algunas colaboraciones en su diario, Crítica , y luego la realización de una obra plástica en su quinta de Don Torcuato. Los Granados no era cualquier lugar. Monumental, desbordante de lujos, era, asimismo, un espacio donde se plasmaba el particular ejercicio de modernidad practicado por el dueño de Crítica : artistas y políticos, locales y extranjeros, se daban cita en los salones diseñados por Jorge Kalnay. No faltaban las habladurías sobre aquellos encuentros, en especial los rumores sobre fiestas libertinas que se habrían realizado -precisamente- en el sótano de la vivienda.

Según el investigador especializado en arqueología urbana, patrimonio cultural e historia del arte de América Latina Daniel Schávelzon (autor, junto con Héctor Mendizábal, del libro El mural de Siqueiros en la Argentina) ese lugar era, en realidad, "el sótano donde se jugaba al póquer, el reducto secreto y sagrado del imperio de Botana, el lugar donde jamás entraban las mujeres, donde se organizaban las borracheras y transcurrían las noches discutiendo de mujeres y política".

Allí decidió el artista encarar una obra que, por sus exigencias materiales, supuso una importante cuota de innovación. En lugar de pinceles, se usaron aerógrafos y esténciles; para garantizar la subsistencia del mural, se emplearon pinturas con agregado de silicatos y las figuras del piso se realizaron con cemento coloreado. La intención era simular una caja de cristal hundida en el agua y visitada por voluptuosas figuras subacuáticas. Para su realización, Siqueiros eligió un notable equipo de ayudantes: Lino Enea Spilimbergo, Carlos Castagnino, Antonio Berni y el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro.

Cuando se dio a conocer, el mural dividió a la sociedad de la época. Mientras algunos lo defendían, otros lo calificaban de pornográfico ("Un gran asco", sentenció el diario Crisol). Probablemente, a su autor esas discusiones lo tuvieran sin cuidado: el mural habría sido, en realidad, "el final de su amor obsesivo y desesperado por Blanca Luz Brum", en términos de Schávelzon. De hecho, el 16 de diciembre de 1933, una vez terminada la obra, Siqueiros se fue del país. En los años que siguieron, apenas hizo alguna que otra referencia al que pasaría a convertirse en un mural remoto, apenas mencionado, perdido en una lejana casaquinta sudamericana.

Blanca Luz, la gran inspiradora, el rostro y el cuerpo cuyo influjo latiría en cada rostro y cada cuerpo pintado en aquel sótano, quedó en Buenos Aires, convertida en la amante de Natalio Botana.

Ella, tanta mujer

Uruguaya, escritora, militante de izquierda, Blanca Luz conoció a Siqueiros en Montevideo a fines de los años 20. El impacto fue mutuo: la mujer bella y decidida; el artista revolucionario, moderno, arrollador. Ella se olvidó de su segundo marido (había enviudado muy tempranamente); él, de su primera esposa. Se casaron y dieron inicio a una historia marcada tanto por el amor como por los celos y la violencia. Durante los años que estuvieron juntos, él la pintó continua, intensamente. Con esa misma intensidad le envió cartas, una tras otra, en las que le rogaba, en aquellos días de 1933, que olvidara los motivos de su última pelea, que dejara Montevideo -donde ella se había refugiado, en un intento de separación- y que viajara a Buenos Aires, ciudad en la que él ya había conseguido algún trabajo en Crítica . Finalmente, Blanca Luz cedió y durante un breve lapso también ella trabajó en el diario. Hasta que con el inicio de las obras de Ejercicio plástico se instaló, junto con Siqueiros, en Los Granados. Entretanto, su presencia se había hecho sentir.,y no sólo frente al mecenas de su esposo. Raúl González Tuñón le dedicó poemas de amor no correspondido. Hay quien asegura que ella habría sido la causa de un posible intento de suicidio cometido por Jorge Luis Borges en 1934. Pablo Neruda relató un encuentro íntimo con Blanca Luz en el mirador de la casaquinta, con Federico García Lorca vigilando la llegada de posibles entrometidos. Justo durante la presentación pública del mural, cuando ella ya era amante de Botana y, presumiblemente, el dueño de Crítica intentaría exhibirla como un trofeo más. De todos modos, vivió un año con el empresario, sin que él se divorciara de su mujer. Luego viajó a Chile, donde conoció a su siguiente marido y, desencantada con el estalinismo, abandonó la militancia política para convertirse en una fervorosa católica. Se dice que Siqueiros tardó al menos 20 años en olvidarla. Ella le escribió textos de amor hasta 1974, año de la muerte del artista.

Del olvido al rescate

Natalio Botana falleció en 1941, en un accidente automovilístico. Su imperio económico apenas sobrevivió unos años y en 1948 la quinta Los Granados -con su tesoro oculto en el sótano- fue parcelada y rematada. A partir de ese año se sucedieron varios dueños y litigios ligados con cuestiones de compra-venta. Salvo alguna excepción, nadie tenía idea de la riqueza patrimonial que yacía bajo los salones de la casa. Vertieron ácido sobre sus paredes, las cubrieron de cal, clausuraron con llave el sótano, lo dejaron a merced de la humedad y el deterioro del tiempo. La obra resistió, en buena parte debido a la técnica con la que había sido realizada. "Pintada al fresco con materiales tradicionales, hoy no existiría", comenta Ana López Quijano en Los próximos pasados , el excelente documental que sobre este tema realizó Lorena Muñoz.

A fines de la década del 80, se hablaba del remate judicial de la quinta que, a esas alturas yacía cubierta de malezas, totalmente abandonada. Es en ese momento cuando Héctor Mendizábal, un hombre de negocios, toma conocimiento de la existencia del mural y guiado por el inmobiliario a cargo lo visita. Iluminados apenas con la luz de una vela, ambos bajaron al sótano y vieron las filtraciones de agua, las ventanas rotas, las cenizas de un fuego hecho por algún vagabundo, la suciedad tras la cual se vislumbraban rostros, miradas, torsos femeninos, cabelleras suspendidas en el agua. Mendizábal decidió armar una sociedad para comprar el inmueble, viajó a México, se contactó con el restaurador Manuel Serrano e inició un nuevo y polémico capítulo: la extracción del mural. La compleja obra de ingeniería implicó la demolición del salón que estaba sobre el sótano y la delicada remoción de las superficies que albergaban la obra. Mientras que algunas voces cuestionan esta intervención, otras insisten en defenderla. "Cuando se lo separó de la humedad de la tierra, se detuvo su deterioro -afirma el restaurador Eduardo Guitima, presente en los trabajos realizados en aquel momento e integrante del equipo que trabaja actualmente con el Siqueiros-. Así se lo comenzó a salvar". En 1991, desmontado en seis partes, el mural se guardó en contenedores. Iba a permanecer unos meses allí. Terminaron siendo17 años. Entretanto, hubo denuncias de que se lo quería sacar del país, intervenciones mediáticas, acumulación de deudas, complicaciones legales, una quiebra, una nueva venta, conflictos con acreedores, abogados, discusiones sobre la propiedad de la obra. Un descomunal atolladero jurídico y económico que amenazaba devorarse al mural. Para sacarlo del letargo fueron necesarios el acuerdo entre dos presidentes -el mexicano Felipe Calderón y la argentina Cristina Fernández de Kirchner-, el aporte económico de empresas privadas mexicanas y argentinas (unos 800.000 dólares), el nombramiento de una comisión asesora, la participación de restauradores mexicanos, profesionales del taller Tarea de la Universidad Nacional de San Martín, la Universidad Tecnológica Nacional y lo que los funcionarios describen como una férrea voluntad para resolver el intrincado conflicto de intereses. "El estado no es parte en el juicio -aclara Oscar Parrilli, secretario general de la Presidencia-. El juez decidirá. Nuestro objetivo es recuperar y restaurar el mural." El año pasado se obtuvo la autorización de todas las partes para trasladarlo a la Casa de Gobierno (se lo ubicó en el sector próximo a la aduana Taylor) y proceder a su restauración. El objetivo es que los festejos del Bicentenario encuentren al Siqueiros (declarado "bien de interés histórico artístico nacional", por lo cual está prohibida su salida del país) listo y con los papeles en regla para su exhibición. Mientras tanto, bajo el tinglado especialmente acondicionado para contenerlo, trazos, colores y formas van emergiendo y negando el destino de oscuridad al que alguna vez pareció estar condenado.

Un mural para ser visto

Realice una visita virtual al Mural de Siqueiros en el sitio de La Nacion.com

TIEMPOS DE PASIÓN

El mito de Ejercicio plástico creció con las historias de amor que lo atravesaron. Aquí, algunos protagonistas.

Natalio Botana : director de Crítica. 

Dueño del lugar donde se realizó la obra

Blanca Luz : esposa de Siqueiros y amante de Botana,

fue la gran inspiradora del mural

Pablo Neruda : tuvo un affaire con Blanca Luz,

la mujer que inspiró el mural

Federico García Lorca : hizo de "campana" del encuentro

entre Neruda y Blanca Luz

UN EQUIPO DE LUJO

Entre los artistas convocados por Siqueiros para la realización del mural, se encontraban tres de las figuras más representativas de la plástica argentina

Lino Eneas Spilimbergo

Antonio Berni

Carlos Castagnino

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1142626

Por Diana Fernández Irusta (texto)

dfernandez@lanacion.com.ar

Ana Gueller (infografía)

Fotos Graciela Calabrese

Archivo de Manuel Serrano

3D Ariel Roldan

Fotomontaje Sebastián Feldman

Yanina Ronconi (multimedia)

Agradecimiento: Secretaría General de la Presidencia de la Nación.

Editorial El Ateneo

Fuentes: Maestro Manuel Serrano, Jefe de restauración; Eduardo Guitima, restaurador; Los próximos pasados , Documental de Lorena Muñoz; El Mural de Siqueiros en la Argentina (El Ateneo ), libro de Héctor Mendizabal y Daniel Schavelzon

Colaboró: Leticia Ríos

El arte argentino, producto de exportación

Por las ventas a extranjeros y la agilización de los trámites, en los últimos tres años creció 65% la salida de obras del país.

La exportación de obras de arte argentino creció un 65% en los últimos tres años: mientras que en 2005 fueron 17.465 los objetos artísticos que traspasaron las fronteras del país hacia otros territorios, el año pasado lo hicieron 29.319.

El fenómeno se debe, por un lado, a la agilización del trámite para obtener el permiso de exportación y al cambio de cultura sobre la importancia de tramitarlo en un mundo que intensifica cada vez más los controles. Y, por otro lado, al importante incremento de ventas de obras a compradores del exterior, al menos hasta el año pasado, de acuerdo con la experiencia de las galerías de arte.

Los datos numéricos surgen de la Dirección de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación, en la cual se tramita la licencia de exportación de las obras. El director de Artes Visuales, Andrés Duprat, señaló a LA NACION que el certificado de exportación constituye "un trámite que es un beneficio que da el Estado", subrayó que no tiene ningún costo y se refirió al incremento en su realización como "un cambio en la cultura legal del país".

Las exportaciones de obras de arte pueden ser temporarias (para muestras o ferias de arte) o definitivas (por mudanzas o ventas al exterior). Durante los tres años analizados fueron considerablemente superiores las exportaciones definitivas: el año pasado se tramitaron 19.955 salidas definitivas y 3964 temporarias. Dentro de las primeras, se estima que la mayoría corresponde a ventas de obras, en buena medida empujadas por la realización de ferias que cada vez atraen a más coleccionistas extranjeros, como arteBA.

El trámite está previsto en la ley 24.633 sobre circulación internacional de obras de arte, de 1996, que tiene una doble finalidad: contribuir a la difusión y circulación del arte y a la vez preservar el patrimonio cultural de la Nación. El texto de la norma establece una serie de disposiciones para las "obras de arte de artistas vivos o fallecidos hasta 50 años a contar de la fecha del deceso del autor, sean argentinos o extranjeros".

Entre otros puntos, la ley estipula que la exportación de obras artísticas está exenta del pago de todo recargo o tasa aduanera. Asimismo, Duprat indicó que la norma no exige que se realice una tasación previa como condición para obtener el certificado para exportar, como muchas personas creen.

El trámite para obtener el certificado se realiza en la Dirección de Artes Visuales (Alsina 1169, 1° piso) y el formulario que debe llenarse se puede pedir allí o bajarse de Internet desde la página de la Secretaría de Cultura ( www.cultura.gov.ar ). Consta de tres planillas que hay que completar con los datos del exportador y del autor de la obra, y se deben adjuntar dos fotos de cada obra.

Valor que conviene

Galeristas y especialistas consultados por LA NACION sobre el incremento en las exportaciones dijeron que entre 2005 y 2008 se produjo un muy importante aumento en la venta de obras a compradores extranjeros, tendencia que -comentaron- este año empezó a decrecer.

"El incremento de la exportación está dado porque hay una aceptación internacional de la calidad del arte argentino y, al mismo tiempo, por la diferencia de valor monetario entre el arte argentino y el internacional. A esto hay que sumar el mayor número de extranjeros que visitó el país durante esos años, que compraron obras que llevaron a su país de origen", dijo a LA NACION el especialista en mercado del arte Adrián Gualdoni Basualdo.

En la galería Praxis comentaron que entre 2005 y 2008 hubo un aumento importante en las ventas a compradores del exterior. En el mismo sentido opinó Norma Quarrato, de la galería Palatina, al decir que durante esos años "hubo un boom de ventas a extranjeros, tanto a coleccionistas como a turistas".

Según el texto de la reglamentación de la ley 24.633, la Dirección de Artes Visuales deberá expedir la licencia para exportar "en un plazo que no deberá exceder los diez días hábiles contados a partir de su presentación". Allí indicaron que en este momento el trámite tarda 72 horas, salvo en los casos en los que se requiere la evaluación del consejo consultivo previsto en la ley, que se reúne cada quince días.

Si bien la exportación de una obra después debe pasar por la Aduana, desde el punto de vista de los galeristas, la velocidad en la tramitación del certificado para exportar es un factor muy importante porque permite concretar con más facilidad las ventas, ya que otorga la posibilidad de que los compradores puedan llevarse la obra consigo.

En Praxis dijeron a LA NACION que el trámite solía demorarse diez días hábiles, pero que después el tiempo se redujo y fue mejorando. En la experiencia de Quarrato, el trámite se demora "entre siete y diez días". Por su parte, Gachi Prieto, de la galería homónima, observó una "aceleración del proceso por parte de la Secretaría de Cultura en el último año", con una duración que está alrededor de los tres días entre que se inicia el trámite y se resuelve.

UNA NORMA QUE REQUIERE PRECISIONES

Algunos puntos de la ley vigente todavía generan inconvenientes. Por ejemplo, la necesidad de definir con más precisión qué objetos se consideran "obras de arte" fuera de las pinturas o esculturas. Para Duprat, una norma no puede definir taxativamente cuáles son objetos de arte, porque se corre el riesgo de dejar afuera a muchos que corresponden a esta categoría, sobre todo cuando se habla de arte contemporáneo. Otro punto problemático es que prevé un único lugar para tramitar el certificado de exportación en todo el país, que es la sede de la Dirección de Artes Visuales, en la ciudad de Buenos Aires.

Laura Casanovas 

LA NACION

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1141613&pid=6712657&toi=6278

Un nuevo museo para la Acrópolis

Tras años de retrasos y polémicas, los monumentos de la Acrópolis de Atenas, un tesoro milenario y de valor incalculable, tendrán por fin el marco que se merecen en un nuevo museo que se inaugura el sábado 21 de Junio con una gran fiesta.

El edificio es un gigante de cristal, hierro, mármol y cemento, que costó unos 130 millones de euros a Grecia y a la UE. En sus tres plantas principales alberga reliquias de hasta 2.500 años de antigüedad encontradas durante diversas excavaciones en la roca sagrada de la Acrópolis.

Alexandros Mantis, responsable del conjunto arqueológico, destaca que el diseño del museo "traslada al visitante a la antigua Acrópolis y a la vida en la antigüedad".

Pandermalis resaltó la gran importancia de la luz natural que se utiliza en el edificio, "que ofrece un panorama y una sensación completamente distinta a diferentes horas del día".

A partir del domingo 21, el museo (www.theacropolismuseum.gr) permanecerá abierto durante 12 horas de martes a domingo y se esperan unos 10.000 visitantes diarios, que precisarán de tres horas para recorrerlo.

Decenas de jefes de Estado y Gobierno, ministros y altos funcionarios de organizaciones internacionales tienen previsto asistir a la inauguración, para la que los organizadores han anunciado dos grandes sorpresas.

Esta inauguración es, según el ministro de Cultura griego de Cultura Antonis Samaras, un catalizador para que regresen las reliquias del templo del Partenón que fueron saqueadas y esparcidas hace 207 años".

Y es que ahora, con las obras terminadas y las salas repletas de reliquias, las autoridades helenas esperan que el museo ayude a ganar la larga batalla para recuperar los restos que fueron trasladados a Londres en el siglo XIX y que Grecia reclama insistentemente.

"Es obvio que esperamos que vuelvan los mármoles del Partenón y estamos listos para negociar y que las salas del Museo Británico de Londres que se queden vacías estén siempre llenas con nuestros préstamos a largo plazo", explicó Samaras a Efe.

El responsable griego rechazó la oferta realizada por la institución londinense de ceder temporalmente los frisos a cambio de que Grecia reconozca que son propiedad del Museo Británico.

Una opción que, dijo, sería "como legalizar lo malo que hizo Thomas Elgin", el diplomático británico que trasladó la mitad de los frisos del Partenón a Inglaterra a principios del siglo XIX con el permiso del Imperio Otomano, al que entonces pertenecía Grecia.

El retraso en la construcción del nuevo museo fue usado por el Museo Británico como excusa para no devolver las piezas, al alegar que la contaminación atmosférica de la capital helena era dañina para unas reliquias consideradas como un patrimonio universal.

Ahora, y con el Partenón a sólo 300 metros colina arriba, el nuevo museo ha reservado una sala a la espera de los frisos.

Aunque la idea original de construir un nuevo museo data de 1978, la gestación del magnífico edificio, con 14.000 metros cuadrados de espacio de exposición, comenzó en 1999, pero tuvieron que quedar fallidos cuatro concursos arquitectónicos antes de que se comenzara a construir en el 2003 el proyecto definitivo, que concluyó en 2007.

"Según los estándares europeos, una obra de tal dimensión hubiera tardado diez años en ser terminada", aseguró recientemente el presidente de la nueva institución, Dimitris Pandermalis, en un intento de minimizar las dificultades que ha encontrado la materialización de este sueño de los arqueólogos.

Las primeras excavaciones en 1999 para construir los cimientos toparon con importantes restos arqueológicos y levantaron una polémica, con acciones judiciales incluidas, sobre la conveniencia de encontrar otra ubicación al edificio.

Finalmente, el proyecto del franco-suizo Bernard Tschumi, incluyó un sistema para integrar esos restos, que son ahora visibles a través del suelo transparente del museo.

EFE

Roban un cuaderno de dibujos de Picasso

Fue sustraído del museo del artista en París; está valuado en unos US$ 11 millones.

PARIS.- Un cuaderno de dibujos firmados por Picasso, valuado en unos US$ 11 millones, fue robado en el Museo Picasso de París, informaron fuentes policiales. El robo fue constatado este mediodía, día del cierre semanal del museo y se ignoraba por el momento las circunstancias y la fecha exacta en que éste se produjo.

Se trata de un nuevo robo de obras del pintor malagueño en la capital francesa, tras uno en febrero de 2007, cuando los ladrones sustrajeron de la casa parisina de Diana Widmaier-Picasso, nieta del artista fundador del cubismo, dos de sus obras valuadas en unos 50 millones de euros. Se trataba de "Maya à la poupée" (1938) y de "Portrait de Jacqueline" (1961), que fueron recuperados por la policía medio año más tarde.

Marina Picasso, otra de las nietas del pintor, sufrió el robo de una quincena de cuadros en su casa de Cannes el 5 de noviembre de 1989, aunque las obras aparecieron cuatro días después.

Pero el robo más importante en Francia se remonta a 1976, cuando fueron sustraídas 118 obras de Picasso del Museo de Avignon.

Otros robos de obras de Picasso se han sucedido en Zúrich, Londres y Río de Janeiro en 1994, 1997 y en 2006, respectivamente. En el primero desaparecieron casi 20 lienzos en una galería de arte; en el segundo un hombre se llevó la escultura "Téte de Femme", que fue recuperada; y en el tercero fueron sustraídos cuatro cuadros.

Agencias AFP y EFE

El Museo Magritte en Bruselas

El mayor museo dedicado a René Magritte abrió sus puertas el día 2 de junio en Bruselas, con una colección de 250 pinturas, esculturas, fotografías, carteles, películas y documentos del genio surrealista, uno de los creadores belgas más influyentes del siglo XX.

Gran parte de la obra de Magritte (1898-1967) se encuentra dispersa por galerías y colecciones particulares de todo el planeta, y la nueva pinacoteca nace con la vocación de convertirse en el centro de referencia mundial sobre el provocador artista bruselense.

El museo, de 2.500 metros cuadrados distribuidos en cinco pisos, ha sido concebido como una "obra de arte" en sí mismo. Su estructura externa evoca elementos de la pintura de Magritte, como las ventanas de la fachada, en las que se proyectan imágenes del cielo y de nubes en movimiento.

La pinacoteca, inaugurada hoy por los Reyes de Bélgica, sigue el modelo del Museo Van Gogh de Amsterdam y se opone al de las pinacotecas clásicas, al centrarse en la vida y obra de un único artista "desde una perspectiva didáctica y poética", según dijo su director, Michel Draguet.

Las diferentes etapas biográficas de Magritte se presentan de forma cronológica en cada una de las plantas y salas, que también incluyen espacios monográficos dedicados a su relación con otros artistas contemporáneos, como Salvador Dalí, Max Ernst o André Breton.

Entre los lienzos destacan "Los amantes" -también conocido como "El beso"- (1928), "El retorno" (1940) o "El imperio de las luces" (1954), piezas fundamentales del surrealismo y representativas del particular universo simbólico de Magritte.

La colección refleja la evolución ideológica y estética del creador, marcada por la influencia del anarquismo, el dadaísmo y el comunismo; y que cristaliza en las características paradojas visuales de Magritte, plasmación de su ironía y de su rechazo a todo tipo de convenciones.

La muestra también incluye dibujos, gouaches, collages, grabados, fotografías, esculturas, películas y trabajos publicitarios del polifacético artista belga, y permite contemplar algunas de las piezas y documentos almacenados en los fondos del museo a través de ordenadores.

La colección proviene del legado de la escritora belga Irène Scutenaire-Hamoir, otra figura fundamental del surrealismo en este país, de las donaciones de la esposa y musa del pintor, Georgette Magritte, y de adquisiciones de los Museos Reales de Bellas Artes y préstamos privados.

La pinacoteca se ubica en el Mont des Arts (Monte de las Artes), la zona aristocrática de Bruselas, frente al Palacio y al Parque reales y junto al Museo Real de Bellas Artes, en un palacio del siglo XVIII rehabilitado por el arquitecto belga Winston Spriet.

El edificio conserva su fachada clásica, mientras que en su parte trasera exhibe una gran superficie acristalada inspirada en el lienzo "El imperio de las luces", que representa la imposible coincidencia de la claridad diurna y la oscuridad nocturna.

Financiado por el Estado belga, los Museos Reales de Bellas Artes, la Fundación Magritte y el grupo franco-belga de energía y servicios GDF Suez, el museo aspira a situarse entre los mayores atractivos turísticos y culturales de Bélgica, con unas 700.000 visitas previstas cada año.

Asimismo, será un punto de intercambio artístico y académico alrededor del artista, y gracias a la aportación de los fondos de la Universidad Libre de Bruselas (ULB) se erige como el "más importante centro internacional de investigación" sobre su obra, vida y pensamiento, según sus gestores.

EFE

LIGA DE ARTISTAS de estreno!!